Archive for 五月, 2010
让你一生受益的摄影基本功-方便的防水、防尘措施
by raio on 五.27, 2010, under 光影有忌 [学习]
透明塑料袋非常适合用作简易地防水、防雪和防尘。虽然在操作上有些不便，但至少让相机得到了保护，而且制作起来相当快捷。塑料袋需要足够大以留出相机操作的空间。一旦镜头有一个清晰的视角并且有足够的相机操作空间，就可以进行密封工作。将相机放入一个坚固的塑料袋内，使用橡皮筋将塑料袋开口套在镜头前缘并束紧。拍摄后，使用LCD屏来检视图像，这比使用取景器更方便。另一种方式是使用一个大型的夹链袋，让袋口位于相机后方，在镜头的位置将袋子剪一个洞。这种方式的好处是你可以从袋口方便地操作相机。
1. 先不装遮光罩，将相机以镜头向上的方式装入塑料袋。
2. 在下方留出足够的空间以操作相机，并收紧袋口。
3. 使用橡皮筋将收紧的袋口束在镜头上。
4. 整理塑料袋。
5. 在塑料袋位于镜头部分剪一个圆洞，洞口边缘与橡皮筋间留出约1厘米距离。
6 . 把多余部分的塑料袋剪掉。
7. 装上遮光罩。
8. 隔着塑料袋操作相机。
让你一生受益的摄影基本功（二）
by raio on 五.27, 2010, under 光影有忌 [学习]
4、竖立相机，举手过肩，使用一般的快门按钮拍摄
4~6. 在没有第二个快门按钮的情况下，有两种竖立拍摄的方法。这里介绍的是第一种，快门按钮位于上方，举手过肩握住相机。此时右手肘向外张开，并且无法为拍摄提供稳定性上的帮助，因此支撑相机的工作主要由左手来承担，相机的重量落在左手掌上，左眼保持平常的张开状态。
5、竖立相机，手位于相机下方，使用一般快门按钮拍摄
7~9. 这是在只有一个快门按钮情况下的第二种竖立拍摄的方法，此时快门按钮位于下方。这种握法使手肘向内，可以增加拍摄的稳定性，但是右手的姿势会较为别扭。解决方法之一是不用右手掌拖住相机，而是让右手指握住相机后贴在左手掌上，把相机的部分重量传递到左手上。此时右手肘贴近胸部。
6、手动对焦
1~3.手动镜头在当今已经非常少见，但是仍可以找到。而在使用自动对焦镜头时，我们也会喜欢切换到手动对焦。这意味着你的大拇指以及一两个其他手指需要空出来以控制对焦环，而让左手掌独自承担相机的重量。此时，右手必须更牢固地握住相机。
7、使用长焦镜头，自动对焦拍摄，手握住镜头前方
4~5.不同的长焦镜头在形状和大小上都差别很大，这也大大地影响着握住镜头的方式。这是一只较轻的300mm镜头，并且没有大光圈，因此镜头前方的口径也较小。使用长焦镜头拍摄时最好使用三脚架或是独脚架，如果你想在拍摄时更加灵活方便，手持方式是唯一的选择。右手以一般的方式稳固地握住相机，自动对焦使得左手可以空出来。如果遮光罩很大，可以通过握住它来分散重量。本例中，左前臂承担了相机的重量，但会有左肘悬空的问题。此时，将相机紧贴在前额上也非常重要。
8、使用长焦镜头，自动对焦拍摄，举手过肩握住镜头前方
6~7. 这是4～5握法的变形，也是我最喜欢的握法。由于左肘仍是悬空的，因此使用握住镜头前方的方式可以更为稳固和自然。使用长焦镜头，握住镜头的中后端8. 左手拖住镜头中后部并承担相机重量是更为常见的握法，此时左前臂呈垂直状态并贴近身体。尽管不太灵活，但如果手动对焦镜头或手动镜头时，可以作为一种可选的手持方式。
如何按下快门
这是摄影中最基本的技术，或许可说的重点并不多，但却非常重要。轻轻但果断地按下快门，这个建议听起来是理所当然，但对于不熟悉所使用相机的人来说，却会由于各种原因不这样做。他们下意识地认为，“既然构图和对焦都已经完成，就让我们按下快门吧”，结果像是狠狠甩门那样狠狠地按下了快门。同样的事情也发生在射击中，若是没有正确按下扳机也会打不中早已瞄准好的目标。只要你按照前面章节中提到的技巧握住相机，并至少保持右手食指的前两个关节的灵活性，在按下快门时便不会有动作上的不顺畅。
熟悉快门操作并不需要花太多时间。大多数的功能（例如自动对焦）在半按快门时就被启动了。大家可以练习这种两段式操作法—半按快门启动其自动功能，接着按下去完成拍摄。
在快门速度很慢并且没有携带三脚架的情况下，有一两个技巧可以应用。一旦你将相机抵住一个稳定的物体，就可以使用定时自拍来完成拍摄，前提是被摄主体并不要求一个精确的拍摄时间点。此外，还可以使用快门线，它能让你在不接触相机的情况下触发快门。
1. 缓慢、轻轻地按下快门来体会两段式按键。首先半按快门启动相机的功能，维持半按的状态（如果有必要），接着按下去完成拍摄。
2. 使用定时自拍器来自动触发快门。
3. 使用快门线，手指按下快门的压力便不会施加在相机上。
让你一生受益的摄影基本功(一)
by raio on 五.27, 2010, under 光影有忌 [学习]
增加手持拍摄的稳定度
无论之前的测试让你沮丧还是倍感鼓励，你都还有进步的空间。稳定地手持相机犹如进行射箭或是射击，选手用于训练自己稳定度的技术也同样适用于摄影。接下来将告诉大家在不同的情况下如何手持相机进行拍摄。
1、握住相机
相机的把握涉及人体工程学，现代的单反相机在经过数十年的发展后已经在这方面积累了足够的经验。手持相机需要平衡稳定性和操作方便性两方面的因素。站立拍摄身体其实是相机的支撑。站立时，最稳定的姿势是两脚轻微张开，一脚在前，位于前方的脚的脚踝稍微外侧。此外，保持相机在身体的重心上，使重量平均落在两条腿上，然后身体轻微前倾。
2、支撑
充分利用附近任何可提供支撑的物体，只要该物体便于使用并且能提供很好的视点。例如，使用墙作为支撑，将手、前臂和头靠在墙上，位于外侧的腿要使力，以便身体稳定地靠在墙上。肾上腺素在刺激的环境下拍摄时，自然会产生肾上腺素。这时候身体可能会发生颤动而影响拍摄的稳定度。这时候很难做什么事来消除这种生理反应，唯有让自己平静下来，比如进行一些呼吸上的调整。
3、呼吸
缓慢、有规律的深呼吸可以增进拍摄时的稳定度。呼吸可能会换来短暂的稳定，但是之后需要进行大口换气。
4、时机
释放快门的最佳时机也即最稳定的时候是呼气接近结束时。移动到取景点这是一个射手提供的技巧。它利用惯性来抵消抖动，特别适用于长焦镜头。缓慢地将镜头由上往下移动，当移动到你想要的取景点时，迅速按下快门。这项技巧需要较高的快门速度，而且要轻按快门，不可重压。
5、特殊支撑物
将相机放置或是靠在附近稳定的表面。这么做可能要考虑是否会影响到构图。
6、图像稳定系统
目前这项技术已经运用在很多专业镜头中。其原理是将镜片上的微型马达与侦测相机运动变化的感应器相连，一旦感应器发出讯号，微型马达会带动镜片向相反方向运动。这类镜头并不便宜，但是能提高2～3级安全快门速度。
如何手持相机
我们都知道如何手持相机，每个人都有他自己拿相机的习惯，并没有绝对标准的把握方式。然而各种不同的握法都是从基本的握法变化而来的。这里的例子覆盖了不同的镜头在相机水平或竖立时不同的握法。需要手指操纵的功能（例如对焦或变焦）越少，就越能稳固地握住相机进行拍摄。
1、基本握法
1~2. 手肘贴在胸部，让相机稳固地靠在前额。用右手握住相机，除了食指保持灵活外，所有的手指都握住相机。右手掌承受相机大部分的重量，手腕在相机正下方保持垂直。开启自动对焦，使用左手的大拇指、中指和无名指操作变焦环。左手的食指用来拖住镜头，小指叠放在右手握住镜头的手指上以增加额外的支撑。
2、使用相机背带提供额外支撑
3~4. 这与基本握法稍有不同，并能轻微增加稳定性。在相机的背带很短时可以用到这种方法，通过右手腕向外并向下绷紧相机背带来握住相机。
扭转相机背带提供支撑
5~7. 这也是基本握法的另外一种变化形式。当快门速度很慢时效果明显，不过事后将手从扭转的背带中抽出需要花些时间。如图所示，将相机背带的松弛部分紧绕在手腕上，直到手腕被紧贴在相机上。
3、使用手柄竖直拍摄
1~3. 某些单反相机在握把下方角落有第二个快门按钮。这样设计并不只是为了方便，这使得你可以在竖直握相机时让手肘贴近胸部，同时小臂保持垂直。右手除了食指，所有的手指都握住相机。左手从下方拖住相机，食指和小指为镜头提供额外的支撑，大拇指、中指与无名指放在镜头的变焦环上。
用Ps让模糊照片变清晰
by raio on 五.20, 2010, under 光影有忌 [学习]
大家都遇到过，数码相机、手机拍出来的照片模糊的情况，一般都直接删掉。但是如果表情POSS都很到位，很喜欢，想保留怎么办？这里教大家用PS轻松快速将模糊照片变清晰，色彩比原来更艳丽。这个办法比原来的“高反差保留”那招更见效！！废话不多说，开始吧~
首先，老规矩，对比一下前后照片。
第一，先打开原图，双击解锁。
第二，CTRL+J创建副本养成好习惯。对副本模式选择“亮度”
第三，选择“滤镜”菜单下的“锐化—USM锐化”命令，在设置窗口中适当调节一下锐化参数，根据你原图模糊的情况来调节，本图采用锐化数量为“150%”，半径是“1”像素，阀值不变。
第四，经过第三步，为照片清晰大致做了个基础。接着选择“图像”菜单下“模式—LAB颜色”命令，在弹出的窗口中选择“拼合”图层确定。
第五，在LAB模式下，再创建副本。
第六， 在“通道”面板中看到图层通道上有了“明度”通道，选定这个通道，再使用“滤镜”菜单的“锐化—USM锐化”命令，设置好锐化参数将这个通道锐化处理。本图如下设置。
第七，返回图层面板，把副本图层的模式修改为“柔光”，调节透明度为30%。看看此时的图像不仅画面更清晰，色彩也更加绚丽了。（这部可根据自己的照片情况增删）
OK，圆满完成！
最直观最实用-保留细节磨皮法
by raio on 五.20, 2010, under 光影有忌 [学习]
一般的磨皮方法，皮是磨光了，毛孔也没了，象塑料娃娃，最偷懒的就是Neat Image了，方便到是方便，不过磨的象是大肉蛋。关于磨皮最高级的就数贴皮法，但步骤复杂，和重画一张脸没多大区别，总结了一套相对简单实用的保留毛孔磨皮法。
效果图（左为磨皮前，右为磨皮后）
1.用橡皮图章 祛除大包和污点。
2.建立新图层，双击左边工具栏的快速蒙版，调出选项，变更不透明度为40% 。
3.用画笔描绘填充皮肤部分，用不透明度为100% 橡皮 擦去毛发和褶皱。
4.祛除皮肤以外的影象，边缘适当羽化。
5.检查通道中的快速蒙版影象，填补漏图的地方。
6.回到图层，删除皮肤以外的影象。
7.关键部分，在底层上用快速蒙版选区，选择皮肤部分，用滤镜/USM锐化，加强皮肤毛孔影象。
9.调整被柔化皮肤层的，不透明度为80-90%，显露下层毛孔，同时调整 色阶 减小皮肤层的色差和反差,合并所有图层。
10.再新建一个图层，选择为屏幕（这是图象会变亮，调整不透明度为40%），在屏幕层上USM锐化,突出毛发。
11.合并所有图层，调整色彩平衡，大体基本完成。
12.剩下的是可调可不调的嘴唇，大致方法同上。
13.完成效果：（皮光了，毛孔还在）
完成的全图：
人像摄影姿势入门：全身照
by raio on 五.20, 2010, under 光影有忌 [学习]
人像照跟生活照其中一个最大分别的地方，就是拍摄人像照时，很多时候都会让模特摆出一些特别具有美感的姿势，以增强照片的美感及感染力，带出照片的主题。如果拍摄时对姿势完全不讲究的话，光有高超的拍摄技巧，很多时也只能拍摄出“高水平的生活照”，对于表达照片的主题会造成一定的困难。不过太过重视姿势的模仿，而忽略了照片的主题及其他因素的配合（如表情、光线、构图、背景等），模特也只有“形似”而没有了“神彩”。任何时候都要提醒自己，姿势是用来表达主题的其中一种手法，应先定好主题，再想姿势。
如果是专业的模特，通常只要向她们简单说明拍摄的主题及构图，再引导一下照片的气氛，她们便能够摆出专业的姿势。可惜大部分的女孩子都不是天生的模特，她们对于摆姿势可谓完全没有头绪，这也是她们拍摄时最缺乏信心的地方。因此，摄影师相约模特拍摄前，视乎心目中拍摄的照片数目，应该先想好十多二十个姿势让模特参考。亦可将参考照片储存在手机中，拍摄前先让模特看看。必要时，摄影师甚至要亲身向模特示范如何摆出心目中的姿势，这样她们摆姿势时会更有信心。
全身照姿势
拍摄全身人像照，就是要将模特由头到脚都拍摄进去。如果是站着拍摄的话，模特占照片的比例便最小，背景的处理变得相当重要。初学者选择背景时，尽量考虑一些简单、较暗的背景，这样通常更为容易突出模特。模特也尽量避免笔直地站着，可以指导她们将头部或身体稍为倾侧、按着膝盖、拉裙子等。如果是坐着拍摄全身照的话，可以让模特屈腿、抱膝、伸展腿部等。
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| 相比起正面，侧面拍摄能够令腰部看来较为纤细，较能突出模特的线条美。如果穿贴身衣服的话，就要记得“缩肚”。 | |
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| 脚部的摆放方法也可以令照片加添变化。基本上重心要只放在一只脚上，避免双脚一起用力。 | |
坐着的话，可以让上半身稍为向前倾，缩短上半身的比例。
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| 坐着拍摄时，通常只会坐在椅子的边缘，刚好保持平衡就行了。这样可以避免模特身子后倾，看起来会精神一点。 | 穿高跟鞋并伸展腿部可以让模特看起来较为修长。想要效果更好，就要让腿的正面向着镜头而非侧面，而脚尖就要“摆直”，加长脚部的比例。 |
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| 坐在地上也是常见的全身姿势。 | 可以用手拉拉裙子，可以增加美感，又可解决手部摆放的问题。 |
蹲着拍摄也是常用的姿势。
趴下摆姿势时，用手托着头部会较为自然，而腿部可以稍为翘起。
中国女子人像拍摄最受欢迎人物 ——– 阿宝 (AB STUDIO)
by raio on 五.20, 2010, under 光影有忌 [学习]
阿宝的出现源于大约一年多以前，大约半年前，网上PS论坛里出现越来越多的题头是“糖水片”的帖子，出于好奇便点了进去看个究竟，于是便于阿宝结下了不解之缘。阿宝的片子之所以被称作糖水片，原因就是在他的片子里，女人都如同糖水一般甜美清纯。阿宝的拿手绝活就是皮肤修正，他在修正皮肤的技术上做出了一项前人都没有尝试过的技术 —- RGB转LAB色。
皮肤在LAB色中调节完成后，会完全失去青色和黄色两种颜色，而这正是阿宝色皮肤真正的精髓，当女生皮肤呈淡粉红色，略偏蓝时，就会显得格外白嫩，如同婴儿的皮肤一般。除去皮肤外，阿宝的照片整体颜色亮丽，高饱和度，高光成分偏多，让人看到会有很清新的感觉。阿宝一出现就马上受到了广大少女同志的欢迎，但也同时受到了许多负面的评论。大多数玩PS玩的多的人都会认为阿宝色技术含量极低，只能骗骗那种对PS没有了解得人们，因为仔细放大看阿宝色的皮肤时会发现，皮肤细节几乎100%损失殆尽，为了追求高光粉嫩的效果，损失细节是自然无法避免的了。也有帖子说过关于阿宝雇推手在网上为自己做广告的事情，关于这个已经无从考证，我们唯一现在需要知道的就是，阿宝已经在PS历史上留下了里程碑似的一笔，他想出了RGB转LAB，别人却没有。PS说白了，技术只占30%，真正把高手和伪高手分别开来的，是那70%的思路。
出淤泥而不染，中性色女王 ——– 波西 （BOXI STUDIO）
波西中性色，在任何PS论坛上说起来都是让人敬畏三分的，原因很简单，没有人可以模仿得出100%的波西色。波西的照片于阿宝的照片给人的感觉就如同是茶和咖啡的感觉，阿宝走的是新潮亮丽的风格，能让人看一眼就立刻被其所吸引，而波西走的是华丽中性色调，第一眼看去绝对没有阿宝亮眼，但再仔细欣赏后会发现其真正的美丽隐藏于她完美的前期，化妆，以及最令人叹为观止的后期中。波西的片子黄棕色居多，这也是人们说到波西色会第一个就会想到的颜色。波西的人物肤色一般都调得很柔，不会给人像阿宝色那样的刺眼感，而且放大以后肤质损失也不是非常严重，这就是波西功底上比阿宝要深厚的地方，真正的高手磨皮是在不损失细节的前提下完成的。小弟已经模仿波西色大概2，3个月了，一直到现在依然只能学个样子，始终没有进展，记得以前有人在论坛上说过BOXI的调色大多数是在CMYB颜色中完成的。波西对女子人像拍摄有其独到的地方，也许是因为她本身也是个女人，女人对女人的了解有时候是男人永远都无法超越的。
中国婚纱业龙头老大 ———- V2
现在国内婚纱写真楼如同雨后春笋般拔地而起，V2的名字虽然说出来远不如前几年那么响亮，但是V2依然占有着中国婚纱业的最重要的一席。V2照片的几大特点是，背景一定要颜色丰富或者宏美壮丽，比较常见的地方像九寨沟，黄山，海南岛，新疆，西藏等等。V2的片子大多数时候体现风景要比体现人更出彩，很多时候人都是因为要与背景和谐而偏色很严重。高饱和，颜色鲜艳也是V2的卖点之一，他们的片子很能吸引人们的眼球，因为鲜艳的东西对于喜气洋洋的结婚来说，是再适合不过的了。V2的后期其实不难，任何对PS有一定了解的人花些时间都能调出，他们的后期师喜欢给照片一些比较“奇异”的颜色，比如紫蓝色，这种颜色用得好的话会让照片显得非常与众不同。但是，个人认为V2最强的其实是前期，前期的化妆，打光，选址，还有构图，直接决定了照片最后的好坏。现在很多影楼都可以做出比V2更出色的效果，但是由于前期没有V2这么大气，只好默默地任凭V2纵横中国婚纱业，谁叫人家出来的更早呢？
孤独的淡雅PS高手 ——– TOFU
说到TOFU的名字，其实大多数人都是不知道的。原因很简单，TOFU仅仅是在他自己的圈子里比较红而已，他一直都没有走上过商业化的拍摄。如果大家到TOFU的POCO主页上去看一看的话，会发现，其点击率已早早超出百万，这是连BOXI和AB都望尘莫及的，为什么TOFU会这么红？小弟欣赏TOFU的照片是要追朔到1年半以前了，那时候刚刚开始摸PS，很新奇，但是除了会亮度对比度，饱和度什么的，就什么都不会了。那时上网找了很多教程，其中就有TOFU的，出于好奇就点到了他的主页。其实一直到现在为止，我依然认为TOFU先生对我PS的影响是最大的，尤其是风景和景物，TOFU已经在PS技术上达到了近似神的地步。玩我们这一行的分两种，第一种，用最贵的单反拍出一张很出彩的照片，然后加个曲线色彩平衡什么的，这种人叫做摄影高手，对于他们来讲，PS是次要的，只不过是点缀照片的一种方法而已。另一种人，用的照相机往往是一般家用的小数码，高级点用索尼佳能，差一点的用卡西欧什么的。PS对这种人来说，其意义远远要比摄影来得更重要，因为数码照相机能拍出出彩的照片的机会少之又少，所以依赖PS来给自己的照片“生命”才是这类人用PS的真正原因。在PS的时候，除了让照片更美之外，最重要的是TOFU给了他的每张照片一个灵魂，他默默地付出感情，使人们能观看他所观看的，倾听他所倾听的，感受他所感受的。TOFU的照片风景居多，人像是最近才刚刚开始拍摄，他的人像忧郁青黄色调居多，喜欢在脸部加高光光晕来体现清纯感，文字在他的照片里也起着重要的左右，几个字，有时候两三个字就如同画龙点睛一样让照片有了生气。自己感觉写TOFU的时候偏袒的很严重，可是没办法，自己师傅不偏袒还偏袒谁。
TOFU的人像有着日本风的味道，PS的方法很简单，加一个白层，加个蒙版，拉个渐变即可，可以让逆光的部分更白，又避免整个画面都减淡颜色。关于摄影，听听豆腐怎么说的
那天和lbxt聊天说到，其实tofu的摄影水平并不高，拍的东西也是平淡无奇的东西，为什么会有那么多朋友喜欢呢？
其实我也不知道，我没学过摄影，没有理论，不懂加法减法原理，没看过纽约摄影教程，没怎么拍过md，没有器材，没有时间和金钱作长途旅行。
因为我曾经觉得这些东西都不重要，重要的是最后能出现一种什么样的画面
就像写日记，从来没想过用什么样的修辞，什么样的句式，什么样的字体来写。只要记录感觉就可以了。
我想最后我其实只是想把相机当作画笔的替代品，将脑海的画面通过相机成像而已，至于规规矩矩严肃的摄影理论，真的，我学不来。
永远的学不会摄影的tofu，对我是一个最好的评价吧，^_^
前苏联的悲伤，鲜艳的绝杀 ———- LOMO流
LOMO相机是前苏联间谍只用的一种特殊照相机，主要用来拍摄美国当时的一些军事机密。这种照相机的最主要特色就是拍出的照片颜色都会格外鲜艳，对比度极强，竭力突出红绿黄三种颜色，对细节表现不是非常出色，照片四周边缘一般会出现暗角情况。冷战后，LOMO相机渐渐退出了军事舞台，而慢慢走进了平常摄影爱好者的家中。90年代后的中国，一群追求新潮的摄影爱好者引进了LOMO相机，并逐渐摸索着开拓了一种新的摄影技术，LOMOGRAPHY。LOMOGRAPHY相机现在一般相机店都可以购买到，并带有不同颜色的闪光和滤镜来满足不同颜色需求，但是由于我们不够专业，所以只好靠PS后期来展现LOMO的风采。LOMO流也称为颓废流，拍摄的照片一般都不需要特定的主题，一个杯子，一个窗户，一条巷子，一支香烟，都可以成为摄影的焦点，加上些颓废的文字，便成了一幅成功的LOMO流。LOMO爱好者常说，LOMO不是一种方法，而是一种态度。再后来，LOMO流逐渐有了分支，其中最最突出，也是现在最最兴旺的，便是现在网络上少男少女们最最热爱的“非主流”摄影。非主流一般都强调光影应用，许多时候细节对他们来说并不重要，重要的是个感觉，非主流把摄影文字发挥到了登峰造极的水准，这个小弟是永远是学不像了。。。惭愧惭愧。。。老了。。。
再提一下南京的刘方，他的作品简直是摄影跟后期的超强配合，细节,色彩饱合,艳丽,亮丽，他都有，但却也是最难模仿
上海这方面的NO.1当数WQ，和刘方不同，走的是唯美派风格，人物的光影极为均匀，画面靓丽，色彩完美，类似当初韩国电影给国内的冲击，WQ色调很快流行起来，不过至今为止，WQ色调一直被模仿，却无法被超越
其他的，如四川的琉璃湖畔，他在波西的工作室工作过一段时间，作品的后期风格也贴近波西。那种暖暖的淡淡的调子，奶黄色的童话一般的感觉，就是波西色调的引申了
马良——做导演的拍起了照片，照片里都有着故事，由此这些照片获得了一种活力，仿佛他们是某部电影中无意截取到的画面，故事刚刚从中流过，还带着某种可以想象的空间。而生锈的色彩囫囵涂抹上去，荒诞却又合情合理。为颓废派常用，再简洁点就是旧照片风格
自然风——在原有景物的基础上色彩更加纯净些，肤色纯净些，画面通透些——有时也会被误认为是AB色，浓淡随意，但要控制好比较困难。上海的清微做的不错
Tony&Tina 写真馆，这个目前上海拍内景最棒的工作室。创意多，更新快，就是没想到热门到这个程度。和主题无关，小小抱怨一下
其它—-
摄影作品分析的一般性步骤和方法
by raio on 五.20, 2010, under 光影有忌 [学习]
英国《剑桥艺术史》认为艺术作品(美术作品)的分析方法主要有四个方面：
首先是看其功用目的，即服务于谁的问题；其二看其文化背景；第三看作品的写实特色，有没有形成什么风格；最后看其形式，如画面构成技巧方面的特点。显然，艺术语言，尤其是具有创造性和个性化的艺术语言在作品中的运用程度，是作品分析的一大重点。
分析摄影作品，许多人都有自己的一套主张，但不管怎么说，在分析过程中最基本的几个步骤都是不可或缺的，那就是：看看、想想、看看、再想想。一看“说"什么，二看怎么“说”，三看“说"到了什么程度。分析一般都是从读图开始，分析者最好具备一定的视觉表达方面的知识，如视觉心理学、摄影术、摄影史和视觉语言等方面的知识．从画面内外尽可能多地了解摄影画面所要表达的真实意图。其中值得注意的是，分析者必须明确他们将要分析的摄影作品所属的类别以及它们各自所适用的基本的创作标准。一般的欣赏者读懂了画面也就不再企求什么了．但对较认真的欣赏者来说，他们并不满足于读懂画面，他们还想读懂摄影师，读通这一类摄影作品，了解有关作品、作者和这类创作现象的更多的资料或信息．以便作进一步的比较研究．并且还要深入地对摄影作品本身的表达技巧进行剖析。
概括起来就是以下四个步骤：
1．从读图开始：
2．了解画面的真实意图：
3．解读摄影师(如有可能的话，尽量去了解与作品创作相关的背景资料)：
4．分析画面内容与形式(也可称为“意义与结构”或“立意与表达”)的关系。
看立意——读懂画面的含义
◎审视摄影作品的标题，抓住画面所揭示的主题标题(包括副标题)对大多数摄影作品来说，通常都属于点睛之笔或是最简练的内容概括。不管该摄影作品是系列照片，还是单幅照片，通过其标题的引导，你就会立即明确该作品所表达的内容及其大致含义。因此，我们看作品，应结合标题看画面，或者说是联系画面看标题。标题中所提供的信息，有来自时间方面的(某年某月某日，表明某个特定历史时期的)，有来自空间方面的(某某地方，表明特定的拍摄场所)，也有说明事件、情节的，甚至是表达某种特定的情绪心态和奇特感受的，这些都是作品中最重要的信息．
或者说是重要信息中的一部分。总之，标题能或多或少地明示或暗示该作品所要揭示的内容与创作者的立意。
◎结合画面，由标题作引申，概括出作品的主题思想(立意) 主题思想(立意)是作品的灵魂，是作品的价值所在。在具体的分析过程中．我们也是首先根据作品的立意来确定该作品的思想深度和人文方面的立场．并以此来推断它的存在价值与社会效应的，从标题开始结合画面推断出作品的立意．再从对作品的一步步解读中．仔细体会创作者对拍摄主题的提炼与概括．以及对各种表现技巧的驾驭．这实际上是对创作者心智运作过程的一次重现与还原n我们可以由此判断出该摄影作品创作的成败和思想品位的高下。
看表达——分析画面内外的各种表现技巧
不管画面立意有多重要．终究都要取决于画面所采取的表达方式。立意一旦离开了表达，也就变得没有意义了，因为只有表达出来的立意，才能为人所理解和接受。也就是说，我们大部分人所能理解和接受的意义．只能是被表达出来的意义。而理解与接受的程度，则完全取决于表达的程度。正因为如此， “高僧只说家常话"。说给别人听的，是为了让人明白所说的意义，除非你压根儿就不想让别人明白。故弄玄虚，其目的只是为了显示自己的“学识"。然而，视觉的含义与文字的含义有很大的区别，事实上，具象本身就存在着显著的意义，但这种显著的意义往往是不经意和不确定的，在理解上具有多种可能性。视觉的表达，难就难在它表达的合乎目的性(即对具象特定含义的筛选与确认)。对摄影来说，只要拍出了图像，就存在了意义的表达，问题就在于这一表达是否达意．是否与立意还有一段距离，而如何缩短甚至消除这一距离，正是我们学习摄影这一视觉表达手段的主要目的.
◎造型能力的分析判断
◇构图技巧分析
1．主体对象的选择与强调。
这里主要包括：拍摄作品时镜头焦距的运用．景别的选择与控制，拍摄距离、拍摄高度与拍摄方向上的考虑．背景的范围、明暗和虚实等方面的控制，景深的选择．运动的处理，神态的处理，情节的控制．瞬间的取舍，细节的刻画．编辑或展示的思路和方案等．有效的手段．也可以说是唯一的途径。每个具体的摄影画面都应该如实地体现摄影师特定的拍摄意图。摄影师凭借构图手段来充分证明他在拍摄现场对某个拍摄主题的新发现，而摄影师的视觉发现则主要依赖于他对被摄主体的全新的观察角度。新角度产生新感觉。在角度独特的摄影画面中，新感觉才能被充分有效地加以强调。因此，充分运用摄影独特的表现手法来选择与强调主体对象，也就成了摄影表达上的首要任务。如采用哪一段镜头焦距?选择怎样的拍摄角度?取什么样的景别(如果是特写．是采用广角镜头靠近拍摄，还是采用长焦距镜头后退拍摄)?选什么样的景深?画面细节如何控制?虚实如何安排?瞬间如何选择?影调如何处理?如果是系列照片，整体表现上又该如何构思?我们分析摄影作品，就是要看摄影师究竟是采用何种手段来突出画面的主体，达到表现目的的。
就拍摄距离而言．其中便大有学问。有人说，距离产生美，指出保持距离在审美情状下的重要性。但在很多情况下，我们不只是为了追求美，因为在创作中还有比美更重要的东西。正因为如此．罗伯特．卡帕就直言相告： “如果你的照片拍得不够好，那是因为你离得不够近。"的确，对于新闻照片来说．重要的莫过于照片能如实地再现真实的现场感觉。当然，卡帕的这番言论还包含着另一层含义．那就是摄影师素质中更令人敬佩的执著、勇敢和随时随地都准备付出生命代价的牺牲精神。卡帕的主张对现代世界新闻摄影的影响尤为深刻。以纪实摄影见长的意大利现代摄影家恩佐．桑最主要的摄影经验也是： “我宁愿靠近拍摄，而且靠得非常近。"尽管他拍摄的大构图是实现摄影师想法的最多不是新闻照片．但近距离拍摄所得到的却是照片中拍摄行为的自行消解——画面给人的感觉．已经完全无视照相机的存在，镜头的视点似乎已经消失在主观感受之中．照片里剩下的只是怦然心动的那份真情实感了。无独有偶，成功地自费环球拍摄世界政治文化名人的中国当代摄影家邓伟也主张近距离拍摄人物肖像．为的是“要能听得见彼此的心跳"．这已经演化成了一种极具心理张力与人本精神的挑战。
2．画面空间的经营处理。
这里主要包括：形状(主
